English text below
Das skulpturale Loch ist ein vielschichtiges Motiv in der Kunstgeschichte. Es fungiert sowohl als physische Öffnung (Perforation, Schnitt) als auch als konzeptionelle Leere oder Leerstelle, die Abwesenheiten und das Unsichtbare in den Fokus rückt.
Das performative Lochen begann wahrscheinlich vor rund einhundert Jahren, als Francis Picabia ein Loch in ein Pamphlet stanzte. In den sechziger Jahren etablierten sich ortsspezifische Interventionen in Bauwerken (Beuys, Gordon Matta-Clark) und 1977 ließ Walter de Maria zur Dokumenta 6 in Kassel einen „Erdkilometer“ bohren - eine Tausendmeter-Sonde aus massiven Messingstäben.
Zuvor hatte der italienische Künstler Lucio Fontana mit seinen durchstochenen Leinwänden und geschnittenen Flächen die Malerei in den dreidimensionalen Raum erweitert. Er verstand das Loch nicht als Leere, sondern als Beginn einer Skulptur im Raum und Überschreitung der Bildfläche. Parallel dazu etablierte Barbara Hepworth mit ihren Piercing- Skulpturen, die den Blick des Betrachters durch eine meist runde Öffnung durch die Form hindurch auf die dahinterliegende Landschaft oder Umgebung lenkten und so eine Interaktion zwischen Kunstwerk und Raum schufen. Demgegenüber nutzte Eva Hesse Perforation und Leere als zentrale formale und psychologische Prinzipien, um starre Strukturen zu durchbrechen und innere Komplexität sichtbar zu machen.
Derlei skulpturale Erforschungen greift (wenn auch deutlich leichtfüßiger) die von SKULPTURVEREIN konzipierte Ausstellung „Loch an Loch“ bei Axel Obiger auf, die während der diesjährigen Urlaubssaison (dem sogenannten „Sommerloch“) sieben sehr unterschiedliche künstlerische Arbeiten zum Thema „Loch“ in einer Schaufenster- Ausstellung versammelt:
Während Hans-Peter Starks Werk an die Gedankenwelten von Beuys anknüpft und das Loch aus sozialpolitischer Perspektive thematisiert, erinnert das installative Ensemble von Florian Japp an das Loch als interaktives, womöglich sportliches Element. Veronika Brovalls Skulptur lässt an die Öffnung als rituelles Zeichen der Verbindung zweier Welten denken. Demgegenüber lässt Jennifer Jordan mit den weich gebetteten Röhren ihrer hängenden Skulptur Leerstellen zu plastischen Räumen werden. Ralf Hoedt hat das Loch als ortsspezifisches Element entdeckt, Natur erscheint hier als Skulptur, die sich selbst im Durchblick inszeniert. In Nico Ihleins humorvollen Vasen wird die technisch notwendige Öffnung zum Schlund, und die barocke Skulptur darunter zu einem bewegten Wesen. Die Arrangements von Tommy Støckel schließlich spielen mit der konkreten Ausstellungssituation, die zwischen einem kommerziellen Display (vielleicht technischer?) Produkte und künstlerischer Intervention changiert.
Denn tatsächlich ist das Schaufenster selbst ein großes Loch in der Gebäudefassade, durch das wir in den Galerieraum von Axel Obiger blicken. Durch den gestaffelten Ausstellungsaufbau wird die Vitrine zum dreidimensionalen Bühnenraum, der durch seine öffentliche Zugänglichkeit und Interaktion mit der urbanen Umgebung eine besondere Wirkung entfaltet. Indem „Loch an Loch“ konsequent auf diese einansichtige Schaufensterperspektive ausgelegt ist, verwischt die Ausstellung die Grenzen zwischen Innen- und Außenraum, sowie zwischen Kunst und Kommerz. Das Loch wird hier ein Strukturelement, das Materie und Immaterielles, das Davor und Dahinter sowie funktionale Ordnung und künstlerische Subversion verbindet. Ob als physische Öffnung, metaphorische Lücke oder strategische Unterbrechung – die gezeigten Arbeiten fragen danach, wie Löcher als Mangel, Chance oder gestalterisches Prinzip unser Sehen und Denken prägen.
Die Ausstellung ist vom 17.07. bis 19.08. permanent im Schaufenster der Galerie zu sehen.
www.skulpturverein.de
English
Hole to Hole
Veronika Brovall, Ralf Hoedt, Nico Ihlein, Florian Japp
Jennifer Jordan, Hans-Peter Stark, Tommy Støckel
Invited by SKULPTURENVEREIN
Opening: July 17, 2026, 6–9 pm
Exhibition in the Project Space's display window
17.07. - 21.08.2026
The sculptural hole is a multifaceted motif in art history. It functions both as a physical opening—perforation or cut—and as a conceptual void or absence that brings absences and the invisible into focus.
Performative hole-making likely began around a hundred years ago, when Francis Picabia punched a hole in a pamphlet. In the 1960s, site-specific interventions in buildings emerged (e.g., by Beuys and Gordon Matta-Clark), and in 1977, Walter de Maria drilled an Earth Kilometer for Documenta 6 in Kassel—a thousand-meter probe made of massive brass rods.
Earlier, the Italian artist Lucio Fontana had expanded painting into three-dimensional space with his pierced canvases and cut surfaces. He understood the hole not as emptiness but as the beginning of a sculpture in space and a transgression of the picture plane. Concurrently, Barbara Hepworth established her pierced sculptures, which guide the viewer’s gaze through a usually round opening in the form to the landscape or environment behind, thus creating an interaction between artwork and space. In contrast, Eva Hesse used perforation and void as central formal and psychological principles to break through rigid structures and make inner complexity visible.
The exhibition Hole to Hole, conceived by SKULPTURVEREIN at Axel Obiger, takes up such sculptural explorations—albeit in a decidedly lighter manner—bringing together seven highly diverse artistic works on the theme of the "hole" in a window display during this year’s holiday season (the so-called "summer lull"):
While Hans-Peter Stark’s work connects to Beuys’ intellectual universe, addressing the hole from a socio-political perspective, Florian Japp’s installation evokes the hole as an interactive, perhaps even athletic element. Veronika Brovall’s sculpture suggests the opening as a ritual sign connecting two worlds. In contrast, Jennifer Jordan transforms voids into plastic spaces with the softly cradled tubes of her hanging sculpture. Ralf Hoedt discovers the hole as a site-specific element, with nature appearing as a sculpture that stages itself through the view. In Nico Ihlein’s humorous vases, the technically necessary opening becomes a maw, and the Baroque sculpture beneath it a lively being. Finally, Tommy Støckel’s arrangements play with the specific exhibition situation, oscillating between a commercial display (perhaps technical?) of products and artistic intervention.
After all, the window itself is a large hole in the building’s façade, through which we glimpse the gallery space of Axel Obiger. Through the staggered exhibition design, the vitrine becomes a three-dimensional stage space that unfolds its special effect through its public accessibility and interaction with the urban environment. By consistently aligning Hole to Hole with this single-perspective window view, the exhibition blurs the boundaries between interior and exterior space, as well as between art and commerce.
Here, the hole becomes a structural element that connects the material and the immaterial, the foreground and the background, as well as functional order and artistic subversion. Whether as a physical opening, metaphorical gap, or strategic interruption, the works on display ask how holes—as deficiency, opportunity, or design principle—shape our seeing and thinking.
The exhibition can be seen permanently in the gallery’s window from July 17 to August 19.
www.skulpturverein.de